Paris Photo: Voces emergentes y miradas innovadoras de todos los tiempos

El renovado Grand Palais ha vuelto a convertirse estos días en un lugar de encuentro ineludible para la comunidad fotográfica, con la celebración de Paris Photo, la principal feria de fotografía del mundo. Un evento donde cada vez tienen más cabida las miradas procedentes de distintos lugares del mundo, al tiempo que ofrece un diálogo entre las obras históricas y las perspectivas más contemporáneas, ampliando los horizontes de la fotografía y fomentando una conversación dinámica sobre el presente y el futuro del medio.

En la parte central de la nave, una sorprendente instalación compuesta por un muro de 36,5 metros de largo recibía a los visitantes. Albergaba la totalidad del célebre y utópico proyecto acometido por August Sander (1876-1964), desde 1920 hasta su muerte: Hombre del siglo XX, cuya influencia sigue vigente en las siguientes generaciones. 619 retratos, a través de los cuales el fotógrafo alemán se propuso crear un archivo de la humanidad del siglo XX. Una sección transversal de la cultura alemana observada bajo la neutra mirada de unos de los grandes maestros de la fotografía del siglo XX, en la que tenían cabida todas las clases sociales y grupos profesionales de su tiempo, presentada en su totalidad por primera vez en Europa por la Galería Julian Sander.

De igual forma, la Gagosían Gallery ofreció una atractiva reflexión sobre el retrato y su función en la construcción de la identidad a través de Avedon & Me; estableciendo un diálogo entre algunas de las fotografías más icónicas realizadas por Richard Avedon (1923- 2004) —como el desafiante retrato de las mujeres de la conservadora convención de las Hijas de la Revolución Americana, o el de Marian Anderson, primera cantante de ópera negra— y los poderosos perfiles de Tyler Mitchell (1965), el primer artista afroamericano en firmar una portada para la revista Vogue. El centenario de Robert Frank (1924-2019) no pasó desapercibido en la feria. Así, la galería Zander mostró una selección de las obras más experimentales del autor de Los americanos. Imágenes intensas y emotivas, realizadas entre los setenta y noventa, con un trasfondo biográfico, a las que el artista suizo incorporó palabras, dando forma a una estética única en la fotografía. Desgarradoras y personales, abordan temas tan íntimos como universales.

De las últimas décadas del siglo XX parten también las contundentes obras que se exhibieron en la galería Higher Pictures. Como Grapevine, la icónica serie de Susan Lipper (1995), un sutil ejercicio de documentalismo colaborativo, expuesto junto a los aurorretratos de la fotógrafa, activista y escritora Carla Williams (1965), y Janice Guy (1953), quienes desafían las nociones tradicionales del autorretrato y del rol del fotógrafo, al lado de Folded Papers, la serie experimental de Sheila Pinkel (1941), en la que explora la luz como material artístico, creando una “paradoja espacio-temporal”, al capturar formas tridimensionales en fotografías bidimensionales.

Las fotoesculturas de Anglaia Konrad (1960), exhibidas en la galería belga Nadja Vilenne, se enmarcan dentro de esta tendencia experimental del medio fotográfico, claramente remarcado en esta última edición de la feria. La artista austriaca se define como una arquitecta de la fotografía, creando sistemas expositivos en los que las imágenes interactúan con los espacios, contextos y situaciones específicos en los que se muestran, renovando así el campo de la fotografía de arquitectura y su presentación.

También han destacado en estas jornadas las instalaciones escultóricas de la sudafricana Lebohang Kganye (1990) exhibidas por la galería La Patinoire Royale Bach, dentro del sector Voices. Es la primera vez que Paris Photo invita a tres curadores internacionales a presentar propuestas con nuevas voces de distintos lugares que habitualmente no están representados en la feria, como África, Latinoamérica y Lituania. “Una iniciativa importante que permite ayudar a que se visibilice la obra de estos artistas y estas galerías que, trabajando en colaboración, hacen mucho más viable exponer en una feria como esta. Algo muy estimulante para ellos”, destacaba Elena Navarro, comisaria de Paraísos imperfectos, dentro de la que la galería madrileña Memoria ha presentado parte de la poderosa serie de la chilena Paz Errázuriz (1944), Cuerpos, junto a la obra que Maya Goded (1970) dedicó a las prostitutas en el centro de México desde una mirada femenina y activista, así como la de la artista multidisciplinar y activista de los derechos trans, Terry Holiday (1955), y la de la mexicana Yolanda Andrade (1950).

Dentro de este sector, y en colaboración con la galería mexicana RGR, se rindió homenaje a Manuel Álvarez Bravo (1902-2002), como parte de la conmemoración del centenario del surrealismo, al que se ha sumado la feria. Se expusieron las seis imágenes que componen el making of de la icónica La buena fama durmiendo, realizada en 1939 como un encargo por parte de André Breton para la portada del catálogo de la Exposición internacional del surrealismo, celebrada en México en 1940. La imagen nunca se utilizó, descartada por erótica. Carmen Calvo (1950) y Dario Villalba (1939-2018) hablaron del uso de la fotografía desde el arte a través de las piezas únicas presentadas por la galería valenciana Luis Adelantado, donde el collage se combina con gestos pictóricos. Cabe destacar que Ella ha sido hallada (2003), de Calvo, formó parte del recorrido surrealista curado por el director y guionista estadounidense Jim Jarmusch, así como del recorrido Elles X Paris Photo, curado por Raphaëlle Stopin. “Para los artistas salir de nuestro entorno es muy complicado, supone un esfuerzo tanto para la galería como nosotros”, advierte Calvo.

La presencia de España ha aumentado notablemente en esta edición: ocho las galerías presentes y una editorial, RM, dentro del espacio dedicado a los libros, de un total de 240 expositores procedentes de 34 países. Dentro del sector Emergence, comisariado por Anna Planas, directora artística de la feria, se pudo ver la obra del artista vasco Jon Gorospe (1986), representado por Cámara Oscura, que gira en torno al paisaje entropizado, así como la de Miguel Ángel Tornero (1978), quien presentó una instalación in situ de la serie Altamira, dentro de la galería Juan Silió. En el sector principal, los silenciosos paisajes de Bleda y Rosa compartieron espacio con la obra de Nil Yalter (1938), León de Oro por su trayectoria artística en la última Bienal de Venecia. Destacó El archivo Macondo (la curva del tiempo cero), del artista François Bucher (1972), compuesta por 26,454 fotografías de gente anónima tomadas en Bogotá, en el stand de Alarcón Criado.

La más corrosiva obra de Carlos Aires (1974) brilló en ADN, así como también lo hicieron Lúa Ribeira (1986) y Toni Amengual (1980) dentro de RocioSantaCruz. “España sigue siendo un país de fotógrafos históricos y contemporáneos, pero su presencia es muy limitada. Se les conoce más gracias a las galerías que a una labor institucional”, se queja la galerista. “Falta entender que la industria cultural puede ser muy beneficiosa para todos. Con lo que tenemos hacemos milagros”, apostilla Amengual. “Curiosamente, muchas veces el reconocimiento viene más de forma internacional que nacional, pero muchas veces se desgasta rápido, porque no existe la continuidad del apoyo de tu propio país y se acaba el recorrido”, apunta la fotógrafa de Magnum.

La Galería Alta, con sede en Andorra, presentó una contundente selección del archivo de Ramón Masats, donde se pudieron ver muchas imágenes inéditas de este gran maestro de la fotografía española. A pesar de su vasta trayectoria, nunca se consideró un artista. France Info lo presentaba como “el Cartier-Bresson español desconocido”, subrayando su capacidad única para captar lo cotidiano con una mirada profunda y atemporal.