Leonardo da Vinci, frente al tiempo

Viene de la página 11 uno de los muros. Leonardo, que a la hora del encargo gozaba de una nueva profesión, la de ingeniero militar, debió de recibir con agrado el proyecto, a juzgar por la pasión con que se entregó a él y por los numerosos bocetos que previamente realizara.Trabajaba de sol a sol; se retiraba, borraba, rehacía una y cien veces. Con frecuencia dejaba el pincel y se pasaba las horas ensimismado contemplando las figuras, reflexionando sobre el acabado o el matiz que le iba a dar a una mano o al rictus de sus labios. Dudó infinidad de, veces con la figura de Judas y recorrió las cárceles de Milán en busca de un rostro que representase con fidelidad la traición. Pero también acabó humanizando aquel rostro como los de los restantes personajes.

Si hay una constante con la que debiéramos definir esta obra, yo destacaría la de su concentrada humanidad; concentración no exenta por ello de dinamismo; concentración plasmada en todos los rostros, a pesar del importante momento que representa la escena. Leonardo buscaba para su fresco todo el realismo posible, pero pintando sembraba en él, al mismo tiempo, la destrucción. Como necesitaba de muchísimo tiempo para meditar sobre cuanto iba realizando, no utilizó los materiales a la manera clásica -no pintaba sobre yeso fresco, que se secaba pronto-, sino sobre una capa de estuco. Debido a la humedad y al paso del tiempo, este estuco sobre el que descansaba la obra se fue llenando de grumos, y la pintura peligró gravemente.

No mucho después de realizada se consideró perdida. Sólo 30 años más tarde de que fuera pintada, el propio Vasari la describe como una "mancha deslumbrante". Pero las continuas restauraciones, un siglo tras otro, la mantuvieron aparentemente viva. A principios del presente silglo, tras instalar detrás del muro una calefacción que la preservaba de la humedad, se creyó acabar con el problema. Pero llegó la segunda guerra mundial, y con ella los bombardeos. El refectorio quedó casi completamente destruido. Sin embargo, la obra de Leonardo de Vinci -el muro, en concreto, sobre el que se asentaba-, protegida con sacos de arena, no se derrumbó. Contemplando las fotografías de las ruinas no nos explicamos cómo, a pesar de las medidas que se tomaron, el muro quedó indemne. Una vez más, la obra de arte venció las amenazas del tiempo. El refectorio fue reconstruido Y el fresco -ligeramente mordido por las bombas en sus bordes-, siguió en pie.

Y como, a veces, donde se cierra una puerta se abre otra, sucedió que con la destrucción del edificio se hicieron algunos descubrimientos en el muro que contribuyeron de forma notable a su restauración definitiva. Mario Pellicioli, encargado por aquellos días de limpiar la obra, encontró sobre ella hasta siete capas de pintura no pertenecientes a la mano de Leonardo. Aunque el dibujo y la composición seguían siendo fieles a su autor, la pintura de los numerosos restauradores había cubierto los rasgos y colores originales. Como en el caso de Las meninas, ¿no es lógico que el que contempla se asombre. de la transformación sufrida por la obra, de los sorprendentes resultados de una limpieza en profundidad?

¿Nos equivocamos al afirmar que hoy el Cenáculo -a pesar de su frágil vagorosidad, de esa pátina nieblina que lo vela- se nos ofrece rotundo, acabado, lleno de la gracia y del mensaje que Leonardo le quiso imprimir? Frente a otro fresco situado en la misma sala -la gigantesca Crucifixión, de Donato Montorfano-, frente a al atmósfera metálica de ésta, llena de chasquidos de corazas y de llantos, bulliciosa y multiforme, provocadora en su color y llena de ecos de Mantegna, constituye un verdadero alivio contemplar el fresco de Leonardo. Una extraña dulzura nos invade al observar los tonos brumosos y suaves, apagados de color, pero enriquecidos por el paso del tiempo y por el mimo de tantas manos como lo han reverenciado.

Ante el anuncio de la traición -tal momento parece representar la escena-, las figuras se arrebolan, se anarcan, se inclinan, van y vienen con sus rostros, sus torsos y sus manos, creando en el que contempla una sensación de remolino, de ola marina. Pero en esta obra se encauza el furor, el desconsuelo, las preguntas, la resignación, la amarga sospecha -las pasiones, en definitiva-, porque el equilibrio preside la acción, la doma y la aterciopela.

Contra los atentados de diverso signo, la obra ha salvado sus mejores secretos, su sentido último, que no es otro que el de haber resistido el paso del tiempo. La atmósfera que pintaba Leonardo, el aire del enfebrecido atardecer en Jerusalén, embalsama la estancia. El paisaje que aprece al fondo, profundo y entrevisto, tiene la misma frescura que los de la Toscana. Los verde mar, los verde-ciruela, los verde esmeralda, los verde-oro, se han enriquecido al envejecer. Las vigas del techo aún están frescas y parecen aguantár con robustez el agobio de todo un templo.

Los alimentos y objetos de la mesa -el más variopinto de los bodegones-, por haber sufrido más descaradamente el azote del tiempo, se han tornado misteriosos, sugieren más. Son, en definitiva, alimentos y objetos de Leonardo de Vinci, botánico y escultor, anatomista y poeta, arquitecto, pintor, hidráulico, músico. Son trozos de sus sueños, restos de su sed de nuevas ideas y de perfección, fantasmagorías que él imaginara contemplando las hojas, las nubes, los astros, el vuelo de las aves.