Entrevista con Vik Muniz

El prestigioso artista brasileño charlará con los lectores sobre los derroteros de las artes plásticas y las interacciones entre arte y literatura. Muniz , conocido por sus dibujos realistas realizados con materiales comestibles, inaugura el martes (19 horas) con una conferencia el seminario Artescrituras 2, en La Casa Encendida.

1Levitt03/10/2011 05:09:14

¿Es el arte consumista? ¿Cómo, desde qué presupuestos se pueden expresar plásticamente las contradicciones que vivimos en un mundo cada vez más orwelliano? Aquellos que jamás entrarán a una galería, a un museo, a una biblioteca, por falta de disponibilidad, dinero o educación, ¿no son acaso el verdadero público?

Hay dos formas de ver el arte. Uno el aspecto material, obras que se comercializan en galerías y tienen un precio elevado y la protección del mecenazgo. Y el objetivo primordial es su conservación para eventualmente donarlo a una institución pública. Y otro, el aspecto institucional, más mediático, porque estas imágenes se difunden y exhiben profusamente y las ve gente que no tiene dinero para comprar. En realidad, poca gente tiene el privilegio de poseer estos objetos en casa. El público cada vez está más acostumbrado al arte, ahora se compra más arte, los museos tienen más donaciones. Creo que ambos aspectos están relacionados. No se puede adjetivar el arte, no político, no consumista. Los artistas no pueden hablar de una sola cosa. El arte es político, consumista, es siempre sublime.

2Fernanda03/10/2011 05:13:34

Parece que el arte latinoamericano está de moda. ¿A qué atribuye este fenómeno?

No lo sé. Yo empecé hace años. Creo que hay un contexto más grande de lo que es el arte latinomericano en el mundo. El canon no es sólo lo que se hace en Europa y América. Y los artistas tienen un lenguaje más global. La globalidad ha creado una homogeneidad creativa que a veces se enfoca en el arte local, muy folclórico. Hay una lengua franca, un contexto de preocupación de cosas que interesan a todos, en general. Es sólo una impresión. Creo que hay más apertura. En NYC o Londres cuando ven cosas interesantes de Colombia, India, Brasil, se sorprenden "oh, hay cosas muy buenas”. Se ha rebasado lo folclórico. También es una cuestión económica.

3Lorita03/10/2011 05:19:47

¿Elige primero los materiales con los que va a trabajar o la idea de lo que va a representar? Gracias

De las dos formas. Muchas veces hay una serie que empezaron con el material, y éstas suelen ser más largas, más empíricas. Sigo testando el material. Pero otras series vienen del interés en un tipo específico de imagen, género, historia y normalmente estas son más cerradas. Tengo las imágenes y busco los materiales. Las que empiezan con el tema suelen ser más cortas. Pero procuro trabajar ambas formas

4coltesmira03/10/2011 05:26:00

¿De dónde sacaste la inspiración para hacer obras con chocolate, mermelada, azúcar...?

Siempre se utiliza la fotografía con cosas ya hechas para hacer pinturas o dibujos. Y yo quiero que las imágenes sean familiares, por eso también utilizo materiales, que conoces, sabes lo que son. Las imágenes fallan, son como actores malos, intentan representar un personaje. Yo siempre empleo actores malos para hacer mi personaje. Me gusta enfatizar la representación y no el personaje.

5 S. Muñiz03/10/2011 05:28:50

¿Tras dejar Brasil a qué se dedicaba los primeros años en EE UU y en que momento pudo comenzar a vivir del arte?

Trabajé en una gasolinera, camarero, mecánico, he hecho dibujos para camisetas de niños... Infinidad de cosas: trabajé como restaurador de pinturas baratas, también pintaba pinturas al óleo para tiendas de muebles… Me encantaba pintar batallas de galeones, hacer el oleaje y los cañones. Las historias de piratas. Así estuve durante dos o tres años. La gente que trabajaba conmigo por entonces eran artistas y vi cómo funcionaba… Hice amistades y después decidí abrir un estudio en o . Al principio también me interesaba la escenografía, pero el teatro estaba muy polarizado y no pudo ser. Pero todo lo que he hecho me dieron ideas para mi trabajo como artista. Fue mi escuela.

6esso alvarez03/10/2011 05:33:29

Saludos! ¿Qué importancia tiene la apropiación en su obra?

Yo tengo un problema con esa expresión, porque es como si fueras dueño de la imagen. Y yo no creo que la gente seamos dueños de imágenes, tienes derechos, pero siempre haces imágenes de cosas que has visto antes, que estaban por ahí. Tal vez yo hago copias. La copia es un gesto sincero de continuación de ciertos elementos. Todas las imágenes con las que trabajo, que por su familiaridad, mucho de mi trabajo tiene que ver con arquetipos, estereotipos, trabajo mucho con la familiaridad para que se produzca un encuentro con la obra. Intento trabajar con cosas que la audiencia ya conoce. Quiero que haya un contacto. Pero nunca tengo esta actitud de que la obra es mía, eso no me preocupa. En la cabeza del consumidor la originalidad no marca una diferencia, porque somos poco organizados. No tenemos esta fisonomía interior para dividir esto. No trato la imagen como apropiación sino como copia, que es una práctica en el arte.

7gallego03/10/2011 05:40:41

¿por qué se insiste en plantear tu trabajo con la interrelación entre el arte y la literatura, no crees que es una forma de justificar tu presencia, haciendo una aproximación parcial de tu trabajo?

Creo que a un artista le inspira todo. Intento absorberlo todo sin prejuicios, esto implica leer los clásicos y jugar a los videojuegos con mi hijos. Y trato reflexionar, y de que haya una interacción abierta con mi entorno, no darle más importancia a una aspecto sobre otro. Algunas personas se fijan sólo en una cosa, porque es importante para ellos, y te dan distintas lecturas. Y aunque no creo que resuman estas lecturas, lo que hago, creo que son importantes porque te enseñan cómo se percibe tu obra. A la gente que le interesa la música electrónica encuentra un paralelismo en mi trabajo. Pero yo nunca pensé en eso, aunque sí escuchaba esa música. Pero nunca lo pensé. Hay gente que ve anuncios porque saben que a mí me interesa. Voy a ir a Madrid a hablar de mi obra dentro del contexto del lenguaje y a mí me interesa la lingüística y vengo de otra conferencia de hablar sobre el entorno. Me encanta ir a distintos sitios y ver que mi obras se utiliza de formas distintas. Algunos psicólogos la han utilizado para sus estudios. He visto mi obra analizado de formas tan distintas. A veces te da una idea sobre lo que haces que no tenías porque a veces mientras lo haces simplemente experimentas y no piensas tanto sobre la obra.

8Elena 03/10/2011 05:44:00

Señor Muniz, ¿Siente que ha creado escuela? ¿Como ve la obra de quienes siguen su estela? Muchas gracias. Saludos desde España

No sé. Lo que hacía hace años ha sido vulgarizado por la tecnología actual. Es muy fácil copiar con el computador. En Brasil mucha gente estudia ahora mi trabajo y eso me enorgullece. Mi arte se enseña en escuelas, a los adolescentes les gusta. Pero siempre me quedé solo dentro del contexto del arte contemporáneo. Nunca he querido crear escuela, crear un manifiesto o tener consenso. Mi trabajo es muy casual. Yo no miro lo que hacen los demás. A mí no me interesa la originalidad, sino la individualidad.

9Manuel B.03/10/2011 05:52:17

Antes que nada, quiero felicitarlo. Sus obras son siempre sorprendentes. ¿Le interesa la caducidad de los elementos que usa: chocolate, azúcar, espaguetis, todo tipo de basura? Saludos desde Murcia

Es verdad que esta caducidad valida la vida en el momento fotográfico. Estoy hablando de la temporalidad, eso es lo que me importa. Me interesa que no vaya a perdurar por mucho tiempo. Cuando tienes una foto de un coche, una vez está en la foto, ya sabes el año en que se sacó, te da ideas muy precisas del tiempo y esto me inquieta mucho. Me encanta la ambigüedad que da el material, da tensiones sutiles. Siempre intento hacer cosas con impresión de fragilidad, de que el tiempo pasó y esa fotografía fue un momento único. Caducidad está relacionada con alimentos pero… Es algo que parece que no es parte del contexto de las cosas vista, la basura ya es pasado. Interesante desde el punto de vista del tiempo. Hay una transformación continua.

10Ana María03/10/2011 06:00:43

Las imágenes de la historia del arte y los símbolos más mediatizados son una referencia constante en su obra. ¿Quiere subrayar ese despojamiento del sentido original?

No es un despojamiento, es lo contrario. Se trata de inferir que esa imagen no es mero punto en la historia del arte, sino que es contenedora de muchas referencias. Todas las imágenes tienen una trayectoria y mi utilización de esas imágenes es muy casual. Yo pretendo enfatizar la experiencia física de la obra. Por ello, mi uso de la historia del arte es muy informal, irracional y aleatoria para lograr ese énfasis. No pretendo contextualizar las imágenes. Busco que el espectador reflexione con todo lo que esa obra le evoca, porque es una imagen familiar.No quiero que se pare a pensar en aspectos técnicos de la historia del arte. No se trata de despojar, sólo muestro una evolución de ese significado original, no trato de organizar nada. Trabajo con la familiaridad, que ayuda a saber de dónde vienen las imágenes.

11Carlos García Pan03/10/2011 06:06:41

Cree usted, realmente, qué existe una interacción entre arte y literatura en este momento histórico, o son casi compartimentos estancos?

Pienso que hay muchas relaciones, pero estas dos disciplinas son vistas o estudiadas desde un punto de vista muy comparativo que acaba definiendo una en relación a otra. Pero hay poca discusión sobre puntos comunes. ¿Dónde se encuentran? La idea de la imagen mental del artista cuando está leyendo un libro, por ejemplo. Yo trato muchas imágenes mentales. También, por otro lado, qué tipo de imagen trabaja con qué tipo de imágenes. ¿Son imágenes ambiguas? Cada artista trabaja de una forma diferente. Los poetas, escritores, podría ser una debate más abierto, menos técnico, más interesante. Pero podría ser muy interesante proporcionar un diálogo entre artistas y escritores para conocernos mejor. Conocer eso, lo que une a la literatura y arte. Siempre hemos tenido mucho en común, muchas historias comunes. Aunque yo quizás me relaciono mejor con músicos, aunque la literatura y el arte son muy cercanas. A mí me interesa más los aspectos más porosos entre ambos lenguajes, por eso procuro siempre estudiar la lingüística y lenguajes más gráficos...

12Mario03/10/2011 06:16:50

¿Cómo, desde qué presupuestos se pueden expresar plásticamente las contradicciones que vivimos en un mundo cada vez más orwelliano? Aquellos que jamás entrarán a una galería, a un museo, a una biblioteca, por falta de disponibilidad, dinero o educación, ¿no son acaso el verdadero público?

Mi padre y mi madre la primera vez que pisaron un museo fue para una expo mía. Y en los últimos años creo que hay una crisis de relevancia por el rápido crecimiento de la tecnología. El arte depende de la audiencia cívica para suceder. Creo en ello. Tiene que ir a una galería o museo. Hay que caminar en la dirección de la imagen y no al contrario. Pero creo que es verdad que antes fue una práctica más de una élite y fue una exclusión, pero al hablar de arte contemporáneo es un lenguaje que sólo algunos hablan y eso me perturba mucho. Hace años una exposición que había viajado por México, Canadá, US, Brasil… y en Brasil la hice más pequeña y les dije que quería una exposición de público, que me conocieran por mi nombre de pila, quería hablar con el público, hice que se enfatizase mucho la didáctica, porque ahí faltaba una cultura visual enorme y yo quería que viesen que no era tan difícil. Esta exposición no tenía ningún aspecto jerárquico y los monitores ayudaban mucho y fue un gran éxito. Había colas. Muchos niños de las escuelas públicas que los fines de semana llevaban a sus padres. Bomberos, enfermeras, gente que habitualmente no visitaba museo. Y sigo haciendo cosas así. Hace tiempo me invitaron a colaborar con una telenovela, hice la cortinilla de inicio, y dije que sí porque son millones de personas. Ahora si me preguntan quién soy digo: "¿has visto esa telenovela?". El museo intimida mucho por falta de costumbre, por eso el arte público es muy importante. Pero no tengo nostalgia, ahora la información se distribuye mejor, hay más familiaridad con el arte.

13Alfonso García03/10/2011 06:19:26

Creo que usted vive en Nueva York. ¿Sigue siendo mejor para un artista de América Latina vivir en Nueva York, Londres o Madrid para impulsar su carrera?

Creo que vivir en NYC desde el punto de vista profesional es una elección importante. Porque es un centro donde toda la gente del arte se encuentra pero no creo que sea importante, es un privilegio estar aquí y no en Rio. Puedo expresarme en un contacto más amplio y mostrar el producto en un sitio donde puede ser observado por más gente. Y hay una sensibilidad mayor y una audiencia más plural. NYC es un universo. El poder de difusión es muy grande. Pero no creo que sea esencial para la producción artística, eso sí tener una galería en nyc facilita mucho las cosas.