"Los jóvenes fotógrafos lo tienen difícil para innovar"

Hay artistas que tienen el don de la oportunidad: están en el momento adecuado y en el lugar preciso. Ese es el secreto de la llamada Escuela de Düsseldorf, la generación de fotógrafos alemanes que siguió la estela de Bernd y Hilla Becher, según uno de sus componentes, Thomas Ruff (Zell am Harmersbach, 1958). Ayer recibió el premio PhotoEspaña 2011 "como reconocimiento a su personalidad artística, precisa y coherente, que le ha valido reconocimiento mundial". El jurado añade que ha destacado por "su constante experimentación en torno a las propiedades de la fotografía". El artista desarrolló tras recibir el premio esta y otras cuestiones sobre su obra y la generación que comparte con Candida Höffer, Thomas Struth o Andreas Gursky.

El certamen PhotoEspaña le ha premiado con su principal galardón

Representa a la generación alemana que renovó la fotografía en los 80

Pregunta. En este punto de la historia de la fotografía, ¿que puede aportar como medio creativo? ¿Puede evolucionara aún más?

Respuesta. Hace 25 años, cuando empezamos en Düsserldorf, no como grupo, sino como artistas independientes, la fotografía era un erial. Todos pudimos plantar un árbol y dejarlo crecer. Ahora, 25 años después, tenemos un bosque. Los jóvenes fotógrafos lo tienen difícil a la hora de encontrar un camino para crecer y, mientras tanto, las mismas cosas se muestran una y otra vez. No está sucediendo realmente nada nuevo.

P. ¿Significa eso que la fotografía ha llegado a una especie de punto muerto? ¿Cómo busca nuevos caminos de evolución?

R. Siempre espero también encontrar algo nuevo e inesperado, sea en un periódico o en una exposición. Lo que ahora trabajo en una mezcla entre fotografía y realidad virtual. El punto de partida son fotografías científicas que transformo en paisajes muy coloridos, de forma que dé la impresión de que se va en un avión mirando un paisaje de Marte. Es como una predicción del futuro.

P. ¿Su forma de evolucionar es explorar desde el punto de vista técnico?

R. Parte de mi trabajo ha sido siempre usar la fotografía como una prótesis. Con objetivos especiales, con película especial, la fotografía puede mostrar cosas que a simple vista no se pueden ver. La fotografía es un medio muy técnico, con herramientas que permiten ver cosas. Así que mi viaje a Marte es también un viaje con estas prótesis y un deseo de ver lugares a los que no se puede llegar: nadie ha ido a Marte.

P. ¿Qué compartía como grupo la Escuela de Düsseldorf?

R. Todos nosotros somos artistas individuales, pero, como la gente necesita categorizar, pues dicen: estos que vienen de Düsseldorf y que hacen fotos de gran formato, pues los llamamos Escuela de Becher. Pero tenemos estilos diferentes: solo coincidimos en el lugar y en el medio, la fotografía. Estábamos en el momento justo, en el lugar adecuado y quizás también usábamos el medio oportuno. La escena artística a principios de los ochenta estaba dominada por el Nuevo Expresionismo en pintura y lo invadía todo, las galerías, los museos... No había nada de arte minimalista ni conceptual. Pero, hacia 1985 o 1986, la gente se cansó de esta pintura expresionista y empezó a buscar algo nuevo. En ese momento la fotografía todavía no se consideraba arte de primera fila, sino de segunda, y cuando desarrollamos este lenguaje visual fotográfico objetivo muy preciso, y usamos el gran formato, a la gente le sorprendió porque hacíamos imágenes que no podían haber sido pintadas ni serigrafiadas... Eran fotografías muy precisas, muy grandes, y no pasaron desapercibidas. En 1986, cuando mostré por primera vez la serie de retratos [se pueden ver en la exposición 1000 caras / 0 caras / 1 rostro, programada por PhotoEspaña en la sala Alcalá 31 de Madrid] había coleccionistas que no tenían fotografía y no daban crédito a que eso pudiera haberse hecho. Eso fue lo que nos dio el impulso.