“Lo nuestro es una broma muy seria”

Lo primero que llama la atención es el nombre: Aggtelek. Así se llama el colectivo formado por los artistas barceloneses Gemma Perales (1982) y Xandro Vallés (1978). Lo segundo que sorprende son sus obras con las que cuestionan la actualidad y la misma naturaleza del arte con performances y piezas que invitan a la participación directa del espectador.

Exponen ahora en nueva galería barcelonesa, Cyan Gallery, abierta el pasado octubre en el barrio del Born, por Ana Zaragoza (fundadora) y Olivier Collet (director artístico), que nos cuentan que todavía es pronto para hablar de resultados. "No hablaremos de balance, es demasiado pronto para eso. Prefiero hablar de que hemos podido observar reacciones muy positivas, tanto del sector del arte, como del público, barcelonés o internacional, tanto por el nuevo proyecto y sus planteamiento como por las propuestas de los artistas escogidos. El panorama de galerías en Barcelona es bastante estático y se ha notado últimamente más cierre o traslado a Madrid que aperturas, por lo tanto esperemos contagiar cierto optimismo" afirma Collet. Tras una primera muestra colectiva, Les murs du temps (con obras de Aggtelek, Quim Cantalozella, Pere Llobera, Mercedes Mangrané, Santiago Talavera, Michelle Weinberg y la colaboración de Oso Leone) han elegido a Aggtelek como primera exposición individual. "Ha sido una elección natural, ya que sigo su trayectoria desde muchos años. En 2008 me propusieron participar en Performing ARCO, (como performer!) y desde entonces he podido invitarles a producir un proyecto en homesession, espacio de arte no comercial que llevo desde el 2007. Aquí más detalle del proyecto de Hamburgueseria crítica que llevaron a cabo".

La exposición lleva por título Sobre gatos, sin títulos, happenings, masillas, bocadillos y otros conceptos, y está planteada como un viaje, personal y artístico, que tiene su origen en su proyecto Travel notes. Hablamos con ellos y les pedimos que se presenten. "Nos conocimos en 2001 y en 2003 ya teníamos nuestra primera exposición. Escogimos el nombre de Aggtelek, porque lo vimos en un libro y tiene una fuerte carga plástica sonora. El hecho de no usar nuestros nombres es una manera de hacer entender que no nos interesa quién hay detrás sino qué es lo que se produce.

Nuestro primer discurso de empezó con la escultura y el proceso creativo de una manera directa y explícita, poniendo ante la cámara un modelo procesual de construcción/destrucción en el que modelábamos formas efímeras y en el que se pretendía narrar de una manera plástica ciertos conceptos que pertenecían al arte y que remontaban a modelos de comportamiento artísticos de los años 60 y 70, pero llevamos este método de trabajo a algo literal: mostrar el proceso de creación, haciéndolo evidente y explícito y mostrando el lado efímero de todo el proceso. Aunque aun se nos recuerda por ese tipo de trabajo, hemos evolucionado y de algún modo seguimos arrastrando el proceso de creación, sea de una manera o de otra".

¿Cómo es trabajar a cuatro manos? "Nuestro trabajo se basa en discusiones constantes. Es un diálogo continuo de ideas y cosas que nos gustan y vamos viendo. De esas discusiones y análisis salen nuevas ideas y nuevos conceptos. Una conversación interminable que genera preguntas y respuestas, una acumulación de referencias y ensayos que sólo escuchamos nosotros, hasta que llegamos a una carretera que no es por la que habíamos pensado ir, pero el proceso creativo es por dónde nos ha llevado. Es ahí, en ese terreno donde empezamos a trabajar y eso es Aggtelek, ni de uno ni de otro. Algo autónomo. Nuestro interés en estos momentos es que el propio espectador pueda ser otro miembro del colectivo y realizar las piezas en las que damos unas instrucciones para poder ser desarrolladas y a cambio, éste se puede llevar la obra totalmente gratis. Una especie de 'arte conceptual post- post- post' que tiene que ver con un concepto de economía del cambio, además de experimental y vital. Ya no vale con sólo observar, uno tiene que actuar y nuestro trabajo empieza a coger ese camino".

¿Cómo definís el arte en la era del posinternet? "Existe un empeño en definir la realidad a través de las nuevas tecnologías, y a conceptualizarla con los nuevos materiales que estas están creando, pero no deja de tener algo de esa enfermedad que todos padecemos: el aburrimiento. Por eso tenemos un interés en que la obra vaya más allá, que su concepto se expanda y pueda ser performatizada/experimentada por el espectador. Estamos investigando de que manera el arte puede ser una experiencia para ser vivida y esa vida se vea reflejada en el concepto y en la propia obra. Ya no vale con la acción de observar un objeto. Tiene que haber algo más. Buscamos un concepto vital que pueda ser experimentado en tiempo real. Hoy es muy fácil crear sin salir de casa y que te llegue por UPS antes de que lo hayas pensando, pero es más difícil vivir una experiencia real. Lo normal es experimentar en el mundo virtual. Muchos jóvenes pierden su virginidad por Skype...".

Somos como un gran Bob Esponja que absorbe otras ideas para crear las suyas propias.

¿Os dice algo arte basura, dadá, funck art, apropiacionismo…? "Nuestro trabajo está lleno de referencias y de un apropiacionismo subjetivo. Somos como un gran Bob Esponja que absorbe otras ideas para crear las suyas propias. Pero eso sólo pasa cuando te emocionas viendo el trabajo de otros, o investigas obras de otros artistas o movimientos. El aprendizaje y descubrir cosas nuevas, genera ilusión. El problema es cuando no te interesa nada o no te emociona nada. En ese momento, aunque seas una especie de Godzila convertido en Bob Esponja, te mueres derritido en una depresión. Por suerte, tenemos una gran dosis de ilusión y curiosidad que mantenemos desde que empezamos a trabajar. Eso hace que nos interesen muchas cosas, tal vez demasiadas, pero no sólo del mundo del arte, sino de muchas otras disciplinas, series de tv, literatura, música, cine, tecnología".

Las performances son parte importante en vuestra obra. "La performance es una acción que se desarrolla en nuestro trabajo de una manera natural, empezó siendo una forma de dar vida a nuestras esculturas y poder trabajar en el proceso creativo sin tener un fin. Una manera de construir, destruir y volver a construir. Es una manera de poder decir muchas cosas en una misma obra y abrir perspectivas, esas performances se documentaban en vídeo, y el vídeo acababa siendo una escultura. Pero con el tiempo, la concepción de la performance ha ido evolucionando de diferentes maneras. Últimamente es más textual. En la última exposición que hicimos en Exile, Berlín, titulada 4 Poor Monologues, se desarrollaron cuatro piezas teatrales cortas que se actuaban a lo largo de la inauguración por actores. Estos monólogos explicaban el proceso conceptual y vital, no exentos de humor, de las piezas que uno se encontraba por el suelo de la exposición. Era una lectura de representación que aportaba una nueva construcción conceptual a los objetos.

En las últimas obras expuestas en la Cyan Gallery en Barcelona, queremos que la performance sea realizada por el propio espectador. Hasta hay una obra que es gratis titulada Hotel Palenque, siempre y cuando la persona que se la lleve, vaya a pasar una o dos semanas al hotel que está en México. Tampoco pedimos mucho, sólo que documente el lugar y nos envié algunos escritos realizados en el lugar. Queremos que viva 'una experiencia Robert Smithson' (la obra es una clara referencia a él y su obra Hotel Palenque). Podríamos decir que vivirá una performance creada por nosotros, nuestro interés es con lo recibido, hacer una publicación que tenga formato de novela o de ensayo-ficción. Pero eso sólo lo sabremos cuando tengamos el material. Es una forma en que el espectador se activa en nosotros, genera un juego tanto performativo y económico diferente del que existe hoy en día. Salimos ganando todos. Uno viviendo una experiencia que a lo mejor no tenía pensado y nosotros recibiendo un material para poder empezar a trabajar con él. No suelen haber muchas cosas gratis en la vida". 

Toda la exposición tiene un marcado carácter performativo, queremos aumentar la responsabilidad del espectador.

Y ¿Qué es de Sobre gatos, sin títulos, happennings, masillas, bocadillos y otros conceptos? "La exposición consiste en un juego temporal que procede de una exploración conceptual, el espectador está invitado a vivir una aventura real, puede formar parte de una pintura. Es lo que llamamos las "pinturas 3D" de la serie Travel Notes, en las que la persona interesada puede vivir la experiencia de las imágenes a través de una propuesta de viajes, lecturas y rutas basados en nuestros deseos y sueños. El propio espectador es el que con su recorrido llegará a encontrar el concepto de la obra. El libro Travel Notes publicado recientemente explica las aventuras de cada pintura. Por otro lado, se puede actuar dentro de la mirada de una escultura, siempre que la persona interesada nos de dos días exclusivos de su vida. Las esculturas juegan con la representación de lo desconocido y el misterio, el espectador al entrar en ellas descubrirá la narración que encierran a través de una experiencia real. Para los más atrevidos la escultura La Increíble Historia de una Abstracción es la que guarda un viaje de lo más extraño. Sólo si se reservan los días entre el 20 y el 24 de Agosto, se llegará a entender la verdadera abstracción. También hay obras que juegan con la realidad, al poder comprar la pieza artística expuesta o la pieza real (en este caso está representado por un gato). Uno puede adquirir la pieza artística, que es un gato recortado a modo de cartel publicitario, o el gato real tuneado por nosotros y con un certificado de autenticidad que acredite que ese animal vivo es una escultura nuestra. El gato real lo vendemos a precio de mercado. Sería otra forma de vivir una experiencia real teniéndola en casa cada día".

El humor y la crítica son partes importante de vuestros trabajos ¿Qué buscáis transmitir? "Lo nuestro es una broma muy seria. El humor y la critica son algo esencial para vivir. Mejor no tomarse demasiado en serio las cosas que tal y como está el mundo te puede dar un ataque leyendo el periódico por la mañana. Es preferible disfrutar del café aunque sea malo. Bromas aparte, buscamos transmitir ilusión y energía. Nuestra obra es un reflejo de cómo somos. Eso no se puede cambiar, aunque te esfuerces. Y por otro lado, los discursos serios siempre acaban teniendo algo de ridículo. En cambio con el humor se pueden decir muchas verdades de una manera más accesible, y en el arte el humor viene desde la Antigüedad. Sólo hay que ver ciertas imágenes de la historia del arte".

Cuáles son vuestros referentes artísticos. "Demasiados. Podríamos decir que el primero fue Juan Muñoz, empezamos con unas esculturas blancas que para nosotros eran un homenaje a sus chinos, de ahí empezamos con nuestras performances constructivas añadiendo y destrozando. A Jason Rhoades y Mike Kelley llegamos por que no los entendíamos, eran raros al principio, como Mathew Barney y su Cremaster. Pero nos gustan muchos, tal vez demasiados, Haegue Yang, Spartacus Chetwynd, Geoffrey Farmer, Urs Fischer, Kate Steciw, Isa Genzken, Lucie Stahl, Adriana Lara y muchos artistas jóvenes nacidos después del 89 que son insultantemente buenos. El problema es que hay tantos, que tendriamos que abrir el facebook para decírtelos todos. Se ha acabado el tiempo de las dinastías".

El arte acaba siendo una necesidad, para el que lo hace, como para el que lo disfruta.

Residís en Bruselas ¿cómo se ve desde allí el panorama artístico en español? "Desde allí se ve igual que desde aquí, bastante parado. Un esqueleto de gominola siendo devorado por la realidad. Esperemos que empiece a cambiar y que sea lo antes posible. Vivir del arte está complicado en cualquier país. Lo único que te podemos decir es que sí se puede malvivir con el arte. El arte acaba siendo una necesidad, para el que lo hace, como para el que lo disfruta. Y no hay que olvidar que la cultura es lo más importante que puede tener un país. Uno se dedica a esto porque necesita hacerlo y acaba convirtiéndose en una adicción. Se puede vivir del arte, aunque ahora mismo es muy complicado ganarte la vida. En estos tiempos es difícil vivir de cualquier cosa, menos esos que pululan por Silicon Valley".

¿Cuál es vuestro próximo proyecto? "A finales de este 2014 exponemos en nuestra nueva galería de Nueva York y en la que empezaremos a trabajar en breve para poder llegar a tiempo. En mayo exponemos en el ciclo Pertubaciones comisariado por Jordi Antas en la Capilla de San Roc en Valls y antes tenemos un proyecto en Bruselas en el cual estamos ahora mismo acabando las obras. Y hay muchas más cosas que se están terminando de hablar. Por suerte no nos podemos quejar porque trabajo tenemos y esperamos que continúe así o mejor".