Un Lope después de Lope

Cuando escribió El castigo sin venganza, Lope de Vega había sido desplazado del centro de la vida teatral madrileña por una generación de jóvenes autores culteranos, alguno de los cuales contaba ya con el favor de palacio: también entonces al poder le interesaba adornarse con el prestigio inherente a lo nuevo. En la punta de aquel grupo de treintañeros figuraba Pedro Calderón de la Barca, que ya había compuesto tragedias como El príncipe constante. Lope, cansado de competir con ellos en los corrales de comedias, hubiera querido un puesto en la Corte o que Felipe IV le hubiera seguido encargando obras para el Real Alcázar.

El castigo sin venganza es la respuesta que el creador de la comedia nueva da a quienes, tras los éxitos de Calderón, buscaban enfrentarle a él: una tragedia a la manera de las de sus rivales pero más ceñida aún, sin subtramas, cincelada a golpe de soliloquio (sus diálogos son monólogos camuflados); una manera de demostrar que él era el mejor, aun batiéndose con las armas del enemigo. Por eso la subtituló: Cuando Lope quiere, quiere.

Es un montaje sin artificios ni invenciones de puesta en escena

Inspirada en una novela de Bandello, gran suministrador de argumentos del teatro áureo y del shakespeariano, El castigo sin venganza cuenta el sino fatal de Casandra y Federico, su hijastro, enamorados desde que la suerte los cruzó a la orilla de un río, cuando ella iba a conocer a su prometido, el duque de Ferrara, padre de Federico. Ante su flechazo, nada puede el libre albedrío: la marcha del duque a la guerra deja expedita una pasión que lleva a los amantes al despeñadero. En su desolador final apenas hay moraleja. Es mérito de la joven compañía Rakatá rescatar este Lope después de Lope de su intermitente olvido y haberlo montado con pericia.

Ernesto Arias, actor de La Abadía, se revela en los Teatros del Canal como fino director de actores: el peso de su montaje a la inglesa, sin artificios ni invenciones de puesta en escena, recae en la interpretación desnuda de un texto donde poesía y acción psicológica se entreveran magistralmente. Rodrigo Arribas consigue que el desbordante tsunami emocional que azota a su personaje vaya por dentro, con una presión que hace creíbles la prudencia, el arrojo y la cobardía sucesivos con que Federico se conduce; Jesús Fuente cuadra un gracioso categórico y afilado: ambos actores han crecido exponencialmente desde Fuenteovejuna.

Lidia Otón está exacta como corte de bisturí, en el papel de Aurora, bisectriz del triángulo isósceles formado por hijo, padre y madrastra. El elenco tiene buen nivel medio, con picos y valles. Sobran el relato didáctico y la música cinematográfica metidas a capón en la primera escena, podada con hacha. La escenografía, funcional, podía estar mejor empastada en color y texturas.