Ulf Saupe, velos y revelaciones de un fotógrafo sin cámara

Waterscapes (Acuático) es la serie más extensa dentro de la trayectoria de Ulf Saupe (Halle Saale, Alemania, 1976). Realizada a lo largo de casi una década (2014-2022), abarca un conjunto de imágenes que aluden a la fuerza y a la belleza del agua mediante su ondulante y enérgico movimiento. Un fluir que parece siempre encontrar camino y es esencial en nuestra existencia, como lo es el aire, la tierra y el fuego. Cuatro elementos que configuran la obra del autor, cuyo proceso de creación se asemeja a la alquimia, y plantea metáforas que aluden al impacto del hombre sobre la naturaleza. Son 38 las obras que, bajo el título de Inmediación, pueden verse hasta el 9 de julio en el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), en Las Palmas de Gran Canaria. Un recorrido que incluye algunas series que tienen como punto de partida la experiencia en las islas Canarias de este autor residente en Berlín, así como una intervención en la cubierta del espacio expositivo.

A Saupe le gusta trabajar con las manos. De ahí, el carácter táctil que conserva el resultado final de su creación. Una obra donde el medio fotográfico es simplemente el vehículo para llevar a cabo un proceso de transformación. “No quiero que la fotografía sea un espejo, sino la interpretación de una forma distinta de mirar al mundo”, advierte el autor, quien tuvo como profesor en la Universidad de Kassel a Floris Michael Neusüss, quien hizo del fotograma el eje central de su obra. De esta forma, su minucioso proceder y su talante experimental resultan tan importantes como el motivo de su quehacer. Las imágenes invitan al espectador a poner su atención en las pequeñas partes con el fin de abarcar mejor la totalidad. Utiliza técnicas fotográficas del siglo XIX, como la cianotipia, de la que echa mano tanto en la series Waterscapes, como en Water Drop y en Res Navalis (2018). El título de esta última serie significa criatura de mar. Alude a las consecuencias de la cada vez mayor contaminación de plástico en los océanos, a través de fotogramas que podrían parecer frágiles y vaporosas medusas cuando no son más que dañinas bolsas de plásticos no degradables.

En Fading Ground (2017), el azul asociado a la técnica de la cianotipia, y también al agua, desaparece con la intención de aludir a la escasez y al uso de este elemento básico. Predominan los colores oxidados, amarillentos y cerosos, que recuerdan al color de la tierra, pero una tierra frágil y apagada, que se desvanece, tal y como sugiere el título. Grandes extensiones de tierra sin agua, cubiertas de plásticos que ondean como las olas del mar. “La mayoría de las imágenes fotográficas son inherentemente frágiles porque pueden desvanecerse hasta no ser reconocibles”, escribe la historiadora Elizabeth Cronin en la publicación que acompaña a la muestra. “Los cianotipos son únicos en el sentido de que, aunque la luz puede hacer que se desvanezcan, pueden revivir cuando se colocan en un ambiente oscuro. Para enfatizar su carácter efímero, Saupe presenta Fading Ground como hojas de papel colgadas de clips y sin marco protector, como si aún se estuvieran secando”.

La impresión con goma o con paladio son otras de las técnicas utilizadas por el artista, que hará uso de materiales como la ceniza, la arena, la tierra o el pan de oro para fijar sus imágenes fotográficas. “Fabrica sus propios pigmentos con la tierra de países que ha recorrido y convierte su trabajo en un arte de lo inmediato que nos aparta de lo superficial”, subraya el crítico de arte Fernando Castro Flórez, comisario de la exposición. Así, la fotografía pierde su carácter documental y se convierte en un híbrido entre el medio fotográfico y la pintura. “Desde lo fotográfico, Saupe realiza un desplazamiento estético y conceptual que le permite replantear los límites de la pintura. Inmediación es, en cierto sentido, una extraordinaria obra abierta que ofrece al espectador imágenes que son, al mismo tiempo, cuasiabstractas e hiperconcretas”, añade el comisario.

“¿Qué pasa si una fotografía no solo contiene el objeto fotografiado, sino que también habla a través de su material?”, se plantea el autor en Golden Forest (Bosque de oro), de 2020. El autor se desplazó a la selva amazónica, donde fotografió árboles para luego cubrir las imágenes con pan de oro y polvo de carbón, símbolos de la riqueza y la industrialización respectivamente. Materiales que ofrecen a los humanos bienestar y cuya explotación ha tenido como resultado la destrucción del mundo natural. Ironía con la que juega el autor. Si bien las imágenes de Saupe están desprovistas de cualquier figura humana, en este caso esta ausencia “contribuye a un sentido de atemporalidad, pero esto es solo una ilusión”, apunta Cronin. “Los humanos están allí ahora, y lo que es peor, continúan haciendo daño”.

En Fire (Fuego), de 2020, Saupe nos traslada al espectáculo de ruina y devastación que dejan los cada vez más frecuentes incendios a través de imágenes sacadas de internet. Imágenes que son tratadas nuevamente con pan de oro y carbón con el fin de ahondar en “las fronteras indefinidas entre lo sublime y lo bello”, inspirándose en las teorías sobre la estética de Edmund Burke.

Y en Stein (Piedra), de 2022, el autor se pregunta por las relaciones entre la materia y el espíritu haciendo uso de las cenizas volcánicas de la isla, estableciendo dicotomías entre la materia orgánica y la inorgánica, lo estable y lo frágil. “Las fotografías de Ulf Saupe son, al mismo tiempo, velos y revelaciones”, apunta Castro Flórez, “signos de resistencia estética y modos del reciclaje cultural, paisajes pictóricos que oscilan entre lo sublime y la ruina, signos inquietantes que dan que pensar”.

La obra de este fotógrafo sin cámara que es Saupe está viva, “transmite el proceso de la metamorfosis de la existencia”, tal y como apunta el comisario: “Sus imágenes están atravesadas por una sincera preocupación ecológica, ofreciendo (a pesar de todo) un horizonte de esperanza”.

Inmediación. Ulf Saupe. CAAM. San Antonio Abad. Las Palmas de Gran Canaria. Hasta el 9 de julio.

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