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Entre el armario y el museo

Nuevas exposiciones en torno a Sonia Delaunay, Georgia O’Keeffe o Frida Kahlo tensan los hilos que unen la moda y el arte

Obras de 'Sonia Delaunay. Arte, diseño y moda', que se exponen en el Museo Thyssen, Madrid.
Obras de 'Sonia Delaunay. Arte, diseño y moda', que se exponen en el Museo Thyssen, Madrid.

Cuadros y ropa aparecen conjuntados y se abren paso en los museos. La exposición Sonia Delaunay. Arte, diseño y moda en el Museo Thyssen de Madrid se suma a la creciente fascinación del mundo del arte por los y — sobre todo—  las artistas que han marcado tendencia en el universo de la moda. Destacan la de Georgia O’Keeffe, Living Modern, que se exhibe en varios museos norteamericanos a lo largo de este año y en la que se hace dialogar el excepcional vestuario de la artista con sus pinturas y fotografías; o las diferentes muestras internacionales dedicadas a Frida Kahlo en los últimos años, en las que nunca se ha dejado de indagar en su particular estética personal, mostrando accesorios o ropa original junto a sus cuadros.

La idea es que el vestuario de estas artistas ayuda a explicar su obra y hace justicia a su carácter multifacético. Y, sin embargo, cabe preguntarse si esto no sirve también para atraer a los consumidores de moda que abarrotan exposiciones dedicadas a diseñadores hacia otras estancias y muestras temporales cuyo foco no son las pasarelas.

Arte y moda son dos mundos basados en lo visual y siempre ha existido una relación entre ellos, una manifiesta influencia mutua. Pero la mayor parte de analistas coincide en que el vínculo comenzó a estrecharse a finales del siglo XIX y se ha intensificado en las últimas décadas. Vayamos más atrás. Al igual que la fotografía en el último siglo, la pintura fue durante mucho tiempo diseminadora de tendencias en la indumentaria. El historiador Michel Pastoureau señala que la incorporación del azul en el armario de la realeza europea se produjo a partir de que los pintores medievales, allá por el año 1000, comenzaran a pintar con este color las túnicas de la Virgen.

En los siglos XVI y XVII, el negro, los corsés, los guardainfantes, las golas, pero también el oro, los terciopelos y la pedrería retratados por Zurbarán, Velázquez y otros maestros contribuyeron a la expansión de la moda española en las Cortes europeas. Siglos más tarde servirían de inspiración a diseñadores contemporáneos, como Cristóbal Balenciaga, que reconocía especialmente a Zurbarán, y sus espectaculares reproducciones de tejidos como referencia para sus colecciones.

A partir de finales del siglo XIX, el Arts and Crafts, la Bauhaus y otros movimientos de cuño modernista hablan de ligar arte y vida

A partir de finales del siglo XIX, el Arts and Crafts que arrancó en Reino Unido, la Bauhaus y otros movimientos de cuño modernista hablan de ligar arte y vida. Sus protagonistas fueron quizá los primeros en reconocer y teorizar sobre la relación entre arte, diseño y moda. Buscaron un enfoque práctico que acercase las vanguardias —cubismo, futurismo, dadaísmo— a la experiencia cotidiana.

Para algunos se trataba de democratizar el arte y crear espacios y objetos funcionales y hermosos para la gente corriente. Para otros, se convirtió en una lucrativa forma de crear y publicitar su obra, aprovechando la presencia de una creciente clase media urbana dispuesta a consumir diseño para reafirmar su estatus social. Desde ejemplos puntuales, como la colaboración entre Salvador Dalí y Elsa Schiaparelli que dio lugar, entre otros, a la creación del famoso Vestido langosta y al sombrero-zapato, hasta el caso de la francesa de origen ucranio Sonia Delaunay (1885-1979), que conjugó con éxito las profesiones de pintora y diseñadora, pasando por las portadas de Man Ray para revistas como Vogue; la relación entre arte y moda se torna cada vez más fértil conforme avanza el siglo XX.

En la década de los sesenta, la corriente pop rompe definitivamente la barrera entre arte y cultura de masas reproduciendo e incorporando objetos de fabricación industrial y elementos publicitarios. Ahí está Andy Warhol, que empezó su trayectoria como dibujante en revistas de moda, y crea vestidos de papel con estampados de sus pinturas más exitosas, como el Souper Dress con la famosa lata de sopa Campbell (vestido que la propia compañía Campbell utilizó brevemente como reclamo publicitario).

La diseñadora punk Vivienne Westwood le dedicó una colección a Keith Haring en 1983, y Lisa Perry usó más recientemente la obra de Roy Lichtenstein en una de las suyas. No son los únicos casos: por su anclaje en la cultura del consumo, ligereza de motivos y colorido, el estilo pop resulta especialmente afín a la moda. Si hasta los ochenta el mundo de la moda había orbitado en torno a París y Milán y al círculo relativamente cerrado de la alta costura, a partir de este momento emerge una generación de diseñadores en ciudades como Londres y Amberes que rompe moldes y rebusca en la calle, lo marginal, la contracultura y lo macabro, nuevos referentes para sus creaciones.

Vivienne Westwood le dedicó una colección a Keith Haring en 1983, y Lisa Perry usó la obra de Roy Lichtenstein

Como apunta la experta en moda Salka Hallström Bornold, creadores como Margiela, McQueen y la propia Westwood y artistas como Sam Taylor-Wood, los hermanos Chapman y Damien Hirst comparten el mismo caldo de cultivo underground . El resultado es una moda experimental que transformó las pasarelas en performances y en la que los roles de artista y diseñador se diluyeron aún más. El cambio de milenio coincide con la ampliación del mercado del arte a países como China.

Esta nueva demanda abre nuevas oportunidades de colaboración. El artista japonés Takashi Murakami presta sus creaciones de inspiración manga a la firma de lujo Louis Vuitton. Y con esta marca de lujo también colaboran los hermanos Chapman. En el otro extremo del espectro, el famoso perro globo de Koons mutó en icono temporal de la firma H&M bajo el eslogan Fashion loves art (la moda ama el arte).

La lista de ejemplos podría seguir. Lo que queda claro es que, en estos casos, se trata más bien de desarrollar fórmulas comercialmente exitosas que de experimentar conceptualmente con la relación entre arte y moda. La (¿rentable?) confluencia entre ambos mundos se materializa no sólo en el desembarco en los percheros de las tiendas de determinados artistas, sino en las muestras dedicadas a grandes diseñadores en museos de referencia (historia que arranca con la visionaria Diana Vreeland y el Costume Institute del Museo Metropolitan).

También surgen espacios de arte fundados por grandes casas de moda, como la Fondation Cartier en París o la Fondazione Prada en Milán, cuya programación no tiene nada que envidiar a la de grandes centros de arte. La moda se ha considerado históricamente como un arte aplicado. Es decir, como una actividad creativa con limitaciones estratégicas y económicas. Suele decirse, además, que el arte se basa en la permanencia y la moda en el momento.

Pero a la vista de su evolución, cabe preguntar si la moda no debería considerarse estrictamente un arte. En una época en la que el mundo del arte recurrentemente se interroga sobre sus límites, no siempre busca la permanencia y está igualmente sujeto a los caprichos del mercado, ¿ha dejado de tener sentido preguntarse si la moda es arte?

Quizá sea más sugerente recuperar la elegante ambigüedad de las palabras de Yves Saint-Laurent: “La moda no es del todo un arte, pero necesita de un artista para existir”.

Olivia Muñoz-Rojas, doctora en Sociología por la LSE, es investigadora independiente. www.oliviamunozrojasblog.com.

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